Pitch: l'opportunità offerta da MIA Conference

Con la partecipazione di relatori di fama mondiale che offrono corsi di perfezionamento e demo dei software, MIA rappresenta un punto di riferimento sulle nuove tecnologie. La conference è stata progettata per essere un’occasione di discussione e socializzazione attiva e lo scambio di informazioni tra i partecipanti è una delle priorità.

Un forte accento sulla pratica pratico e un impegno per l’educazione formale di nuovi talenti completano l’offerta specifica di MIA Conference che non è una scuola ma il complemento ideale di una moderna scuola di cinema digitale.

Termine per l’invio dei Pitch, 31 Luglio 2012.

Lo spot realizzato a fine corso

Il corso di cinema digitale tratta tutte le fasi di pre e post produzione, e non è la classica scuola di cinema. Questo viene detto molto chiaramente sul sito pubblicitario di FaiStrada, mentre è meno evidente sul sito di eLearning vfxwizard.com.

In effetti, il cinema in Italia non può definirsi un mercato redditizio. Se escludiamo le commedie, che effettivamente incassano cifre significative, il resto dei film italiani ha una distribuzione ridotta, pochissima visibilità all’estero, e vive sostanzialmente di finanziamenti pubblici.

Naturalmente ci sono eccezioni, ma il budget medio di un film italiano è inferiore a quello di un singolo episodio da 50 minuti di una miniserie statunitense.

Dove esiste un mercato, ed anche ricco, è nella pubblicità e nella produzione video industrial o istituzionale.

Industrial/Istituzionale: Di che si tratta?

Il video industrial è sia una forma di pubblicità -e in questo caso ricade nella categoria dei video istituzionali- che uno strumento interno all’azienda. Esempi di video industrial in senso stretto possono essere il training sulla sicurezza nel posto di lavoro, o l’aggiornamento delle competenze della sales force aziendale.

Il video istituzionale è invece una presentazione autorevole e non immediatamente pubblicitaria delle caratteristiche e dei punti di forza di un’azienda. Non soltanto le aziende adoperano il video istituzionale. È parte della strategia di comunicazione delle organizzazioni no profit e anche -in tempi recenti- dell’amministrazione pubblica.

Ora, creare video industrial o istituzionali non è necessariamente un lavoro privo di creatività e diversamente dal cinema in senso stretto può rivelarsi un settore redditizio.

Il settore industrial/istituzionale è anche il punto di partenza per molti pubblicitari, che trovano nel format istituzionale una buona scuola per imparare a comprimere il tempo e raccontare in modo efficace la storia dell’azienda o del prodotto.

Sempre più spesso, però, sia istituzionali che industrial richiedono un look, e un grado di postproduzione, che è al di fuori delle competenze e delle capacità della maggior parte degli studi di produzione o dei singoli artisti.

Tecniche come il green back (o green screen), la scenografia virtuale, e i product shot in 3D sono sempre più comuni e richieste.

Le competenze richieste per il cinema digitale

Naturalmente per far questo sono necessarie competenze che vanno molto oltre quanto si impara in una scuola di cinema. Non è più questione di conoscere le tecniche narrative o la “grammatica del linguaggio cinematografico” (per prendere in prestito il titolo del libro di Arijon).

Bisogna pre-visualizzare ogni elemento e pianificare attentamente le riprese reali insieme a quelle che verranno aggiunte virtualmente in post produzione. In altre parole, il confine tra pre e post produzione si confonde e il ruolo del film maker non è più facilmente definibile. Di questo, si è parlato nell’articolo su cosa deve sapere un regista nel mondo del digitale.

Tornando al corso di cinema digitale, o postproduzione digitale che è il nome tecnico, questo si articola in 32 lezioni settimanali, per un totale di otto mesi.

Le lezioni sono disponibili online, sotto forma di video corsi. Questo è importante, perché se lo confrontiamo con l’approccio di un qualsiasi manuale di cinema, come l’Arijon già citato, vedere il movimento fa tutta la differenza del mondo rispetto a intuire quale sia la dinamica della ripresa da una serie di schemi.

Il cinema, motion picture, è prima di tutto motion, movimento, e solo dopo picture, immagine. E queste sono parole di Howard Hawks.

Gran parte del corso tratta di software

Fatta questa premessa, comunque, va detto che la gran parte delle video lezioni di cinema digitale riguardano i software e sono quindi sotto forma di screen cast, o registrazioni, narrate dall’istruttore, dello schermo del computer. In particolare, il corso del quale stiamo parlando, è registrato quasi interamente su Mac, la piattaforma preferita dai creativi dell’immagine digitale. È però completamente utilizzabile anche con sistemi Windows.

Quello che rende particolarmente interessante il corso di cinema digitale è l’approccio americano all’eLearning. Non si tratta di una istruzione di serie B, da manuale, o corso in fascicoli. Non è autoistruzione ma quello che negli Stati Uniti si chiama instructor led online training: corso online guidato da istruttore.

Ogni settimana vengono presentati progetti da completare, e uno al mese deve essere inviato al professore (chiamato “Coach” -per quanto riguarda la terminologia, questi corsi si ispirano persino troppo allo stile americano) che dopo averlo visionato invia una analisi dettagliata dei risultati (la “review”).

Allo studente viene consigliato come correggere e migliorare il progetto, ma si passa comunque al progetto successivo. Questo approccio sequenziale, anche se impegnativo, segue una progressione dal facile al difficile che guida lo studente dalle basi fino al progetto finale che è una intera pubblicità girata e postprodotta in cinematografia digitale.

La struttura del corso appare qualche volta sconcertante: il montaggio e la postproduzione si trovano prima della ripresa digitale.

Eppure c’è una logica in questa scelta, che gli autori del corso spiegano essere stata dettata dall’esperienza di insegnamento dal vivo: “Chiunque abbia visto quanto è difficile salvare una ripresa in post-produzione sarà dieci volte più attento alla fase di ripresa e pianificazione.”

In pratica, vedere cosa serve in fase di post produzione aiuta a essere attenti ai dettagli in fase di produzione e preproduzione.

Questo corso di cinema digitale si rivolge prevalentemente a chi vuole lavorare con le nuove tecnologie, ad esempio le fotocamere DSLR che danno lo stesso formato di immagine del cinema. E possono essere acquistate a una frazione del costo del noleggio di una cinepresa o di una telecamera professionale.

In effetti l’investimento più grande sono le licenze dei software: ne vengono insegnati molti. Dai software Adobe, come Premiere, Audition e After Effects, a quelli di 3D come Poser (utile per gli storyboard), Lightwave (col quale è stata ricostruita la basilica di San Pietro in Vaticano per “Il Codice Da Vinci”) e MAYA, che non ha bisogno di presentazioni.

Il vantaggio dell’uso del digitale è che per quanto siano costose le licenze dei software, sono sempre meno costose di una sola giornata di riprese in esterni, o dell’allestimento di una scenografia.

Quello che occorre sono le competenze tecniche per saperli sfruttare a pieno. E proprio l’apprendimento di queste competenze, è l’obiettivo del corso online di post produzione digitale.

Una buona conoscenza dei software e delle tecnologie serve, ma non è la cosa più importante.

Gusto estetico, una cultura dell’immagine e la capacità di narrare servono, ma non sono la cosa più importante.

Forti skill relazionali, per gestire un lavoro che per definizione è collettivo, hanno molta importanza. Ma nemmeno questi sono la cosa più importante.

Il Problem Solving — riuscire a essere dei “dog”

Essere un cane, in italiano è dispregiativo. Nessuno vuol lavorare con un attore o un regista che vengono definiti “dei cani”.

In inglese è diverso, e “dog” ha anche un significato molto particolare. Gergalmente, ‘to dog’ è un verbo, e significa: “To relentlessly follow someone or something” Inseguire, marcare stretto, senza tregua qualcuno o qualcosa: un obiettivo, ad esempio.

Essere un cane, in questo senso, è davvero la qualità che tra tutte isolerei come la più importante: non darsi mai per vinti, e perseguire il proprio obiettivo fino alla completa realizzazione.

Esisteranno sempre problemi. È impossibile che le cose vadano per il verso giusto, sempre e comunque. Chi si perde d’animo di fronte a una difficoltà e cerca immediatamente aiuto non è capace di fare problem solving.

Chi invece trova le difficoltà stimolanti, e le affronta non come un ostacolo, ma come una parte naturale del proprio lavoro, ha le capacità di problem solving che occorrono per questo lavoro.

Ti piace risolvere problemi?

Questa è la prima domanda che dovresti farti se vuoi lavorare in questo campo, sia come mestiere che solo come passione.

Se ti affascina l’idea di affrontare e risolvere problemi, non ci sono dubbi che avrai successo e soddisfazione. Chi invece preferisce che siano altri a trovare le soluzioni, o si perde facilmente d’animo, troverà molto difficile ottenere i risultati che desidera.

A partire dal MAAC 2003, questo evento è cresciuto nel corso degli anni a passi da gigante. Quest’anno ha celebrato l’ottava edizione del concorso internazionale.

24fps è progettato per fornire una piattaforma unica per il cinema digitale, con il supporto di animazione 3D, live action e effetti visivi e si rivolge alla comunità di studenti, professionisti e studi di produzione dislocati in tutto il mondo.

Il soggetto di questi film è sempre finalizzato a messaggi di rilevanza globale, mentre l’obiettivo della manifestazione è dare ai partecipanti l’opportunità di imparare da esperti di livello mondiale.

Il festival ha associazione con studi del calibro di Rhythm & Hues e Dreamworks.

Il termine ultimo per inviare lavori da sottoporre alla commissione di ammissione rimane fissato per il 9 di settembre.

Nel 2010 oltre 600 film da 41 paesi del mondo sono stati proposti.

Tutte le informazioni su: www.iafistanbul.com

Gli articoli, rigorosi ma di impostazione divulgativa, trattano della storia degli effetti speciali, dalle origini fino ai giorni nostri. Facciamo i migliori auguri a questa iniziativa per la lodevole intenzione di diffondere anche nel nostro paese informazioni rigorose sugli effetti speciali, spesso trascurati o trattati in modo approssimativo.

Il primo articolo tratta delle origini del cinema fantastico e Georges Melies, il pioniere e padre degli effetti speciali e del cinema fantastico.

Al tempo stesso, è anche il più difficile da definire. Molti trovano difficoltà a spiegare chiaramente in cosa consiste il lavoro di un regista.

Racconta una storia? Certo. Definisce il look? Naturalmente. Giudica e guida la performance degli attori. Anche. Conosce il digitale e gli effetti speciali? Assolutamente sì.

Ma non fa nessuna di queste cose singolarmente.

Il modo più semplice per definire cosa fa un regista, è di dire che il regista decide cosa lo spettatore vedrà.

Sembra una semplificazione, ma ha un profondo impatto su tutta la produzione. Il regista controlla l’attenzione dello spettatore, lo guida, e se vogliamo lo manipola. La macchina da presa è l’occhio dello spettatore: il regista decide cosa l’occhio dello spettatore vedrà e il senso da dare all’intera produzione.

Si può dire quindi che il regista ha la visione d’insieme della storia che viene raccontata. Attraverso la sua intuizione e le sue idee, crea un ambiente controllato, molto diverso da quello teatrale.

Nel cinema digitale il regista ha assunto un ruolo ancora più impegnativo, come testimoniano i pionieri: George Lucas, Robert Rodriguez, Zack Snyder. Attraverso la previsualizzazione, la pianificazione e la possibilità di intervenire a posteriori, il regista può ottenere un film che contiene esattamente le immagini che concepisce nella propria mente.

Proprio per questo una conoscenza delle tecnologie digitali è essenziali per essere un regista efficace nel mondo della cinematografia digitale.

Adesso Vimeo, che continua ad essere il sito preferito dai filmmaker, ha organizzato un concorso di cinema che prenderà il via con un evento di anteprima ad Amsterdam il 10 settembre, seguito da una festa di due giorni a New York in ottobre.

Nella giuria David Lynch e molti altri. Tra questi spicca Vincent Laforet, che ha girato le prime produzioni che hanno fatto conoscere al mondo la qualità cinematografica delle fotocamere DSLR.

Il festival è diviso in categorie, e il gran premio comprende una borsa di 25.000 dollari per produrre quel film -digitale- che segna un nuovo modo di produrre e pensare il cinema e la regia.

Tra gli artisti: Anthony Discenza, Cao Fei, Lane Hall e Lisa Moline, Sven Pahlsson e Marina Zurkow.

Art Works For Change
P.O. Box 29907
San Francisco, CA 94129-0198
www.artworksforchange.org

Festival Golden Kuker 2010

Si terrà dal 13 al 17 ottobre 2010 a Sofia, presso il Palazzo Nazionale della Cultura. È stato organizzato dalla Associazione bulgara del Animazione Cartoon Independent Artists (BAICAA).

Propone un panorama di classici film d’animazione bulgari così come di diverse retrospettive. Gli autori dei film in concorso si riuniranno ogni giorno con professionisti, giornalisti, colleghi e studenti per discutere il loro lavoro creativo e i problemi pratici dell’animazione.

Tavole rotonde saranno organizzate per discutere lo stato dell’arte nel processo educativo di corsi e scuole.

Il regolamento si trova qui: http://www.animationfest-bg.eu/ e le scadenze sono il 15 luglio per le iscrizioni, e il 30 luglio per l’invio del materiale.